MAGGIE'S FARM

SITO ITALIANO DI BOB DYLAN

DUQUESNE WHISTLE

"Sei l'unica cosa viva che mi fa andare avanti
Sei come una bomba a orologeria nel mio cuore ... "

Di Chris Gregory

In “Tempest” Bob Dylan ci porta in un “viaggio di sogno” attraverso tempeste, amarezza e rabbia. Le visioni oniriche aumentano di intensità, come se ci introducesse ad una visione parallela di «tempi moderni» in cui i fantasmi del passato si mescolano con i vivi. Le canzoni diventano più amare come il “conto dei morti che aumenta”, fino a quando ci viene mostrata una visione apocalittica di un mondo che sta annegando. Infine, si va anche oltre la morte stessa ... Tempest rappresenta il culmine trionfale del sistema poetico e musicale che Dylan aveva sviluppato in “Love and Theft” e “Modern Times”, album pieni di “crooner” che sembravano vivere in un mondo dove il tempo si era fermato, dove “il futuro è sempre una cosa del passato”. Questo mondo è una costruzione poetica che si estrapola delle voci del passato, in particolare si mescolano i mondi delle grandi cantanti blues e country e dei grandi poeti visionari. La musica che porta questa visione è radicata nel rock and roll pre-epoca dal 1920 al 1950, ma ne è informato, come la poesia, da una coscienza molto moderna. Citando deliberatamente le tante fonti delle canzoni di questi album, Dylan ha dovuto affrontare molti accusatori (come ha dovuto fare molte altre volte in passato, soprattutto nel 1965-66 quando “andò elettrico” e nel 1979-80 quando “andò religioso”). Alcuni critici non simpatizzanti sembrano pensare che tale citazione da tante fonti sia il risultato di un Dylan a corto di ispirazione così di dover plagiare il lavoro di altri. Il grido di protesta è lo stesso di quello del ‘65 e del ’79, eppure è il modo di Dylan di creare canzoni che si è sviluppato negli ultimi dieci anni o forse più dando alla sua arte un'immensa ricchezza. È come se gli spiriti di Ovidio, di Blake, di Shakespeare, di Muddy Waters, di Robert Johnson, di Hank Williams e Johnny Cash (e molti, molti altri) in realtà vivessero ancora in queste canzoni. Sono canzoni che in qualche modo “contengono” ed “incarnano” tutto il lavoro del passato che si celebra, ma che si combinano in un quadro tipicamente postmoderno. Proprio come le canzoni di Dylan che “riflettono prima la politica e poi la coscienza psichica degli inizi degli anni ‘60' e poi alla “coscienza dei media” del villaggio globale, per i quali il suo lavoro contemporaneo riflette un mondo in cui la coscienza non è più rappresentata dal “movimento giovanile”, ma è diventata fratturata, disparata, come se stessimo ascoltando milioni di voci che gridano a noi tutte insieme. Questa coscienza è rappresentata sempre più chiaramente nello “universo digitale” in cui viviamo, un mondo nel quale i prodotti del presente e del passato si mescolano in un flusso senza soluzione di continuità. La musica più popolare è diventata in gran parte irrilevante, una sorta di insensata, mai più ripetibile Muzak. Così Dylan, al fine di rimanere contemporaneo e non una mera reliquia del passato, ha reinventato la sua arte da aggiungere al passato, abbracciando la musica del passato, al fine di fare musica che esprime il vero spirito del mondo di oggi.

La linea di Duquesne era un servizio ferroviario tra Pittsburgh e New York City. Assorbita dalla Amtrak nel 1971 e cambiato nome, ora è una sorta di linea di fantasma, così quando Dylan canta "ascoltate quel fischio del Duquesne whistle lontano" ci sta chiedendo di ascoltare un treno in movimento attraverso il passato americano.
Il tempo-guida della canzone rende chiaro, tuttavia, che il treno fantasma è ancora operativo e funzionante a pieno ritmo nel mondo di Dylan, dove il passato e il presente sono mescolati, può ancora arrivare dove si sta andando, o portare la vostra signora in città.
Si avvicina lentamente, da una certa distanza, nell’ apertura strumentale della canzone, poi improvvisamente è proprio sopra di voi come un calcio dato da un accordo in stile hard rock con un impulso insistente.
 

Duquesne Whistle comincia con un piccolo e affascinante abbozzo di brano, 40 secondi delicati e sbarazzini di una ragtime mini-ouverture del 1920 interpretata da Dylan, Charlie Sexton alla chitarra elettrica, con il contrappunto di chitarra acustica di Stu Kimball. La melodia è piuttosto suggestiva, derivata dalla famosa ballata di Tom Paxton. L'ultima cosa, a sua volta derivata dal tradizionale timing di Liverpool, che il giovane Dylan aveva sentito dai Clancy Brothers, cantatoto e trasformato in suo addio. I narratori di queste odi malinconiche di impotenza possono solo annegare nella birra, come se dovessero partire per qualche spiaggia lontana lasciandosi alle spalle i loro cari. E qui i musicisti suonano come se fossero lontani, bloccati nel tempo e nello spazio. Passato e presente sono conrtrapposti crudamente, come lo saranno in tutto l'album, come improvvisamente la batteria amplificata ed il basso esplodono in una azione ed un ritmo altalendosi fra furiosi calci, come se un treno espresso avesse appena arrotondato un angolo acuto lanciato in piena corsa verso di noi. Nel frattempo, gli strimpellatori di country blues, seduti accanto al binario del treno nelle loro tute, vengono soffocati. E ... ecco che vedono! Ecco il vecchio zio Bob, con la divisa del conduttore, tenendo il suo fischietto alzato, con un sorriso lascivo ed un luccichio particolare negli occhi, suonando come Louis Armstrong, ci invita in un mondo di tempeste, di lussuria, avidità, vendetta ed omicidio che si concluderà nel cataclisma. Come nel caso di Modern Times e Love and Theft le canzoni sembrano esistere in un suond di tipo Americana mitico del passato, una sorta di nave in balia degli uragani martoriata su tutti i lati. Ma mentre la maggior parte delle canzoni di quegli album erano ottimiste, come Summer Days o Thunder On The Mountain, o malinconicamente riflessive come Sugar Baby o When The Deal Goes Down, qui siamo in un territorio più scuro. Un importante “tempesta” si sta preparando. E Dylan si trova nell'occhio del ciclone, trasformato in un diverso tipo di “direttore d'orchestra”. Come Prospero (il personaggio protagonista de “La tempesta” di William Shakespeare), tesse e manipola la magia che lo circonda. E’ di queste cose che sono fatti i sogni. ... Ma in questo momento, c'è un treno in corsa verso di noi, e noi siamo invitati a saltare a bordo. Il treno è una presenza simbolica che è al centro della mitologia Americana. E' stata la posa delle linee ferroviarie che ha reso possibile la conquista del West, e quindi la realizzazione degli Stati Uniti. Eppure, nell'America moderna, l'importanza dei treni è molto diminuita. Nella seconda metà del XX secolo, sono stati sostituiti dalle strade che sono diventate le principali viatiche per il trasporto di merci e di persone. Così i treni ora tendono ad evocare la nostalgia degli e negli anziani americani, nei quali si trovanono ancora le immagini e l’architettura musicale nell'opera dylaniana del 20° secolo. Il treno è, naturalmente, una delle principali immagini metaforiche dell'immaginario del blues. Per i neri del sud rappresentava sia la libertà che la fuga, ed i treni sono presenti in innumerevoli canzoni blues. ... “Quando soffia il fischietto devo andare, oh mamma non si sa” ... inizia il ritornello di “Freight Train Blues”, uno dei blues classici più registrati di tutti i tempi , originariamente scritto da John Lair nel 1935 e coverizzato da Bob Dylan nel suo album di debutto nel 1962. La versione di Dylan, come molti dei suoi antecedenti, incorpora il ritmo del treno per la performance musicale. Il ritmo è veloce e il cantato maniacale, ed entrambi sono così esagerati come la natura che, come in un gioco, quasi che disapprovasse la canzone stessa, la cui voce narrante è “nata su un binario ferroviario”... il grido del macchinista è stata la loro ninna nanna ... Qui il treno rappresenta la determinazione dell’ alto spirito del suo narratore che non deve essere trattenuta o rallentata. Parlando di questo tipo di sentimenti, nei suoi iconici Folsom Prison Blues (1955) “torturati” (e molto probabilmente condannati) il crooner Johnny Cash si siede nella sua cella, ascoltando i treni che passano, immaginando che ... c'è gente ricca che sta mangiando in una fastosa carrozza ristorante, altri probabilmente stanno bevendo caffè e fumando grossi sigari.

La stazione di Carbondale

Per il detenuto, naturalmente, non ci sarà scampo. I treni (con le loro forme innegabilmente falliche) possono anche funzionare come metafore sessuali di vario genere. Nella versione epocale di Elvis Presley di Mystery Train composta da Junior Parker nel 1955 la voce ansimante del cantante imita un treno ed allo stesso tempo trasmette un desiderio sessuale dilagante. Il sesso tuttavia (come i treni), può naturalmente essere lento e costante così come veloce e sfrenato. Un confronto tra le versioni precedenti e successive della maestosa “It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry” di Dylan illustra bene questa similitudine concettuale. Le versioni precedenti (disponibile sulla epica nuova Bootleg Series “The Cutting Edge”) utilizza uno standard di “ritmo di treno veloce”, mentre la versione registrata rallenta il ritmo, rendendo più estese ed evidenti le immagini sessuali della canzone, come ... … If I don’t make it, you know my baby will… (se non lo faccio io lo farà il mio “bambino” e …Don’t my gal look fine when she’s coming after me… (La mia ragazza non sarà bella da vedere quando sarà venuta dopo di me) ... sia più sottile e più sensuale. Mentre Elvis infila senza ritegno, Bob da tempo alla ragazza di adattarsi. ... Voglio essere il tuo amante / io non voglio essere il tuo padrone... canta. I treni funzionano bene come metafore sessuali, soprattutto in poesia musicale. È possibile accelerarli, rallentarli, è possibile rendere l’idea delle vibrazioni e agitare o balbettare una battuta d'arresto, soffiando fischi ...

Che Dylan ami le immagini del blues è la sua ambiguità senza fine, il modo in cui il suo simbolismo può essere girato e rigirato. In un altro filone della tradizione blues, i treni funzionano come metafore religiose; come nel traditional “This Train Is Bound for Glory” (memorabile la registrazione di Sister Rosetta Tharpe nel 1935 e successivamente adattata in una forma più laica da Woody Guthrie), nel quale i passeggeri del treno sono tutte persone buone che stanno andando in paradiso; o il classico gospel di Curtis Mayfield “People Get Ready”, registrato con il suo gruppo The Impressions nel 1965 (e coverizzato più volte da Dylan) sviluppa questa metafora ulteriormente, portando il santo treno in un viaggio di liberazione che simboleggia la lotta dei neri e delle altre minoranze oppresse per libertà e l’uguaglianza. In netto contrasto, nell’arrabbiato e confuso gospel di Dylan “Slow Train” del 1979, lo “Slow Train Coming” sembra rappresentare l'inevitabilità dell’arrivo di Armageddon e del terribile giudizio di Dio per i malvagi. E' significativo che, in una recente intervista alla rivista Rolling Stone, Dylan affermi che pensava con “Tempest” di fare un album più religioso. “Volevo fare qualcosa di più religioso. Solo che non avevo abbastanza canzoni di quel tipo. Quello che volevo fare all’inizio erano in particolare dei canti religiosi, ma ci vuole molta concentrazione per tirar fuori 10 volte una canzone con lo stesso argomento". Come fa spesso nelle sue interviste, Dylan sicuramente ci mette in testa dei nuovi dubbi. In effetti, i conflitti interiori nelle canzoni di “Tempest” spesso raffigurano conflitti spirituali, come i vari “crooner” che cantano le canzoni parlino della natura della felicità e della disperazione, dell’amore e dell’odio, della crudeltà e del destino. Ma non ci sono treni diretti verso la gloria in “Tempest”, sembra che ci sia un Dio che si cela dietro queste canzoni, ma questo è una divinità che è distante dagli uomini, irriconoscibile e anche terrificante. Un beffardo e vendicativo Geova. Questi non sono canti di fede, ma canti di un tumulto interiore che non si spreca in leziosismi spirituali, ma che parla di prezzi pagati col sangue. Sono canzoni che affrontano chiaramente il tema della morte. Eppure, nonostante i loro riferimenti "religiosi", queste canzoni non lo sono affatto.

Duquesne Whistle ci prepara per la carneficina che sta per venire con la sua scherzosa metafora servendosi di messaggi carichi di sfida personale. Nel blues, i treni simboleggiano la potenza sessuale, che di per sé possono anche rappresentare la sfida contro l'ordine sociale prevalente. Da “I’m A Man” di Muddy Waters a “It’s A Man’s Man’s World” di James Brown, i cantanti blues si sono lasciati andare a vanti di senso sessuale, così come molti artisti rap fanno oggi. Questa celebrazione del corpo in questo stile musicale è come una sorta di ribellione inconscia contro i valori cristiani puritani, un modo col quale le persone culturalmente oppresse possono esprimere il loro orgoglio di se stessi in modo che la dichiarazione di libertà sessuale diventa una dichiarazione della libertà stessa, il rifiuto di accettare il collegamento tra sesso e la vergogna che era ancora dominante nella prima metà del XX secolo, quando il blues era al suo apice. Più tardi, la trasformazione del blues nel rock and roll ha fatto molto per accellerare la rivoluzione sessuale della seconda metà del secolo, ed i secoli di vergogna religiosa per il sesso sono stati spazzati via e il corpo materialistico è stato celebrato, sia attraverso l’Elvis ultra macho, i primi Beatles con i loro urletti “ooooh” che simulavano l’orgasmo femminile, dei Rolling Stones che si pavoneggiavano con testi sessualmente ambigui, o la straordinaria rappresentazione di Jimi Hendrix, con la chitarra brandita come un organo sessuale per prendere tutta l’energia del cosmo! ... “Scusatemi mentre io bacio il cielo" .... Così, la rivoluzione sessuale fu inevitabilmente seguita da una rivoluzione di stili di vita e delle opinioni politiche e sociali mondiali. Proprio nel centro di tutto questo c’è stato lo stesso Bob Dylan, le cui canzoni sono sempre state permeate dalla filosofia e dalle immagini del blues. Tuttavia, è importante ricordare che anche nella cultura americana nera in sé, il blues non è mai stato “rispettabile”'. Fu etichettato, in gran parte da neri stessi, come “la musica del diavolo”. La grande massa dei neri americani erano frequentatori delle chiese con grande timor di Dio, dalle quali proveniva la ricca tradizione della musica gospel, che, nonostante la sua evidente cristiana espressione lirica, aveva molto in comune con il blues in termini armonici musicali. Molti cantanti blues in realtà si alternano tra il blues e la musica “spiritual”. Questa tensione tra la musica del Signore e la musica del Diavolo è anche ciò che eccita molto del primo rock and roll. L'espressione sessuale estrema nella musica di Little Richard e Jerry Lee Lewis è stata resa ancora più potente dal doppio senso nella loro musica, Whole Lotta Shakin' Goin' On era in qualche modo vergognoso. Questa tensione è stato anche espressa molto potentemente in gran parte della musica country dei primi anni ‘50. La musica di cantanti country di "poveri bianchi" di povere origini come Hank Williams e Johnny Cash, profondamente intrise dallo spirito del blues, ma nelle loro canzoni la tensione sessuale/religiosa era ancora più pronunciata.

In "(I Heard That) Lonesome Whistle" di Hank Williams (registrata da Dylan durante le sessioni per The Freewheelin' e poi eseguito da lui nel 1990), il narratore si siede nella sua cella ascoltando il fischio del treno che viene da di fuori, godendo nel suo senso di vergogna. Come in "Folsom Prison Blues" di Cash , l'impostazione stessa della prigione funziona come una sorta di metafora della repressione sessuale ed emotiva loro imposta dalla religione convenzionale. Il fatto che entrambi i cantanti siano chiaramente sinceri nelle loro credenze religiose non a che aumentare l' intensità della loro situazione. Sinceramente vogliono essere liberi, ma il fatto che sembrano davvero a credere che in realtà meritano il loro destino rende solo le canzoni più dolorosamente strazianti.

All'inizio di ogni verso, il narratore ci implora di ascoltare il "Fischio del 'Duquesne". Il nome Duquesne (si pronuncia "doo-Cain") si riferisce alla città di Fort Duquesne in Pennsylvania,

il Forte Francese di Duquesne

ma la canzone fa un riferimento diretto alla linea ferroviaria Duquesne, che attraversava cuore industriale dell'America, da New York a Pittsburgh, dal 1930 al 1950. Carbondale, che viene indicato anche nel primo verso, è un'altra città industriale in Pennsylvania. La ragione principale per l'utilizzo di questi nomi sembra essere quello di trasmettere l'idea che il treno nella canzone, come il narratore, e' di una certa epoca. Come Dylan canta alla fine del primo verso ... "Suona come se fosse la sua corsa finale" ... Alla fine del secondo verso il fischio del treno è ... "Fischia come se fosse l'ultima volta" ... Più tardi, in modo più esplicito, il fischio "Soffia come se mi stesse uccidendo"... A un certo livello, il treno è una metafora per prodezze sessuali del narratore. Egli è un uomo anziano, e questo può essere la suo scappatella finale, ma non è sicuro di riuscire a fare il botto, come si potrebbe dire. Eppure Dylan trasforma tutto questo che sta intorno identificando anche il fischio del treno come se fosse la sua giovane amante femminile. Nella seconda strofa, il fischio del treno è ... "Soffia come non ha mai soffiato prima"... e così ora diventa esplicitamente femminile. Appare alla sua "porta della camera" ansimante e piena di lussuria: ... luce blu lampeggiante, luce rossa incandescente ... Utilizzando una tecnica particolarmente "'Dylanesque" (a sua volta suggerito dall'ambiguità dei modelli di riferimento in molte vecchie canzoni blues) Dylan cambia il suo modo di riferirsi (attraverso l' uso dei pronomi personali) passando da 'lei' a 'voi'. Ora si rivolge allla suo amante direttamente, identificandola con chiarezza come la fonte del suo ringiovanimento sessuale: ... "Sei l'unica cosa viva che mi fa andare avanti / Sei come una bomba a orologeria nel mio cuore" ... Il suggerimento sembra essere che l' energia sessuale della giovane amante può essere così 'esplosivo' che potrebbe essergli fatale. Questo è tipico del sé ironico, quasi grato del tono del racconto, che potrebbe essere influenzato dal periodo tardo di molti brani di Leonard Cohen come "I'm Your Man" in cui il narratore invecchiato sembra essere chiedeere la carità alle giovani donne per i loro favori, in un modo che è piuttosto ironicamente seducente. La combinazione di voce e musica qui sottolinea questo perfettamente, con voce deliberatamente rotta e roca, la voce "datata" di Dylan, in contrasto contro il briosi "Jitterbug" ritmi di danza la band sta suonando.

In "Spirit On The Water" (Modern Times) Dylan aveva deliberatamente preso in giro il suo pubblico con le linee .. "Pensi che io sia oltre la collina, si pensi che io abbia passato la mia primavera / Fammi vedere cosa sai fare / Possiamo avere un buon tempo saltellante... Si tratta di una linea che trae spesso applausi dalla folla ai concerti di Dylan, che consente loro di riconoscere che, nonostante l'avanzare degli anni, Dylan è ancora funzionante come un artista molto creativo e stimolante. Qui, come un modo di introdurci al mondo di Tempest, si espande questo concetto in una canzone intera. L'album contiene molti riferimenti alla morte, ma il suo canto introduttivo solleva allegramente il dito medio alla morte. Co-scritto con l'ex paroliere dei Grateful Dead (come la maggior parte del materiale di "Together Through Life") Duquesne Whistle visualizza la precisione lirica e la destrezza di molte delle canzoni dell'album precedente, ma aggiunge una leggerezza di tocco che è sapientemente ingannevole. Dylan ci porta fuori strada con attenzione in questo modo. Infatti canzoni dell'album lo vedranno successivamente scendere nella sempre maggiore oscurità, mostrando una sorta di E.A.Poe come gusto nel farlo. Qui Dylan lancia una bomba a orologeria a noi, che è pronta ad esplodere. Senza mezzi termini, dichiara che, nonostante i suoi anni ormai avanzati, questo artista è ancora freddamente motivato, articolato e spesso molto velenoso.

http://www.chrisgregory.org/blog/PermaLink,guid,3d260e8c-653c-4081-b178-b7e21a485344.aspx

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" Duquesne Whistle: Il nuovo video da “Tempest” ed i riferimenti sessuali

Dopo averla ascoltata, la prima cosa che uno si chiede è, “Perchè una canzone chiamata ”Duquesne Whistle”? Che vuol dire Bob, perchè dovrei ascoltare il fischio di Duquesne? Forse la spiegazione sta nel fatto che (molto probabilmente) la canzone è giocata tutta sui doppi sensi, una metafora sessuale che ha il sapore delle ultime cartucce da sparare.
Il famoso "Duquesne Whistle” era il fischio della sirena che chiamava gli operai all’entrata al lavoro, posta forse in cima ad una delle gigantesche ciminiere del più grande altoforno del mondo, il cosiddetto "Dorothy Six," che si trova a Duquesne, PA, e visto, nella fantasia popolare, (almeno in senso freudiano), come un simbolico fallo gigantesco.

The old Duquesne's "Dorothy Six,"

Il borgo di Duquesne è stato fondato nel 1789 ed è stato incorporato in Pittsburg, Pennsylvania, nel 1891. La Duquesne Works era una acciaieria che faceva parte della Carnegie Steel Corporation e poi parte della U.S. Steel, era il cuore e l'anima di Duquesne durante i suoi momenti più brillanti nel 20° secolo. Duquesne aveva il più grande altoforno del mondo, denominato "Dorothy Six". La popolazione della città ha raggiunto il suo massimo nel 1930, per poi diminuire con l'inizio della deindustrializzazione nel 1960. Oggi è rimasto solo un duro paesaggio postindustriale in rovina per abbandono).
Quindi, potenzialmente, il titolo della canzone, potrebbe far riferimento ad una cosa che una volta era un vanto ed ora si trova in disuso, proprio come il fallo di un vecchio uomo che ricorda i suoi tempi migliori.

" Duquesne Whistle: Il video dal nuovo album “Tempest”, inizia abbastanza innocentemente con un giovane che cerca in tutti i modi, anche piuttosto ingenuamente, di interessare una ragazza, in uno scenario da film muto che diventa sempre più oscuro e violento. La canzone è un old-time Dixieland shuffle, sembra essere riferita in un primo momento ad un treno, ma andando avanti, a ben guardare, il testo potrebbe potrebbe fare riferimento proprio alla ciminiera dell’altoforno più grande del mondo.
Il testo della canzone con in rosso le frasi che potrebbero essere interpretate in modo diverso da quello che sembrano dire.
"Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Sta soffiando come se stesse andando a spazzare via il mio mondo
Io mi fermerò a Carbondale e andrò avanti
Quel treno di Duquesne mi porterà giorno e notte
Tu dici che sono un giocatore d'azzardo, dici che sono un ruffiano, ma non sono ne l’uno ne l’altro.
Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Suona come se fosse la corsa finale".
"Tu dici che sono un giocatore d'azzardo, dici che sono un ruffiano / Ma non sono nessuno dei due", insiste Dylan. Infatti, il testo della canzone può essere letto come un omaggio all’ esuberante desiderio sessuale di un impassibile vecchio di 71 anni, un tema che mescola accenni di morte con la lussuriosa promessa di non andar troppo per il sottile. La voce di Dylan è poco più di una raspa o un gargarismo, ma sotto il doloroso gracchiare, ci da dentro per sottolineare che il “fischio di Duquesne soffia ancora”, suona come se stesse annunciando l’ultima volta (la corsa finale).

"Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Soffia come non ha mai soffiato prima
luce blu lampeggiante, luce rossa incandescente
soffia come se lei fosse alla porta della mia camera
mi sorridi attraverso lo steccato
Proprio come hai sempre sorriso prima
Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Soffia come se lei non dovesse più soffiare"
Il verbo “soffiare” potrebbe essere uno stratagemma usato in alternativa per mascherare il vero verbo che lui vorrebbe usare.

"Non sentite quel fischio di Duquesne che soffia
Che soffia come se il cielo dovesse saltare in aria lontano
Tu sei l'unica cosa viva che mi fa andare avanti
Sei come una bomba a orologeria nel mio cuore
Sento una dolce voce chiamare delicatamente
Deve essere la madre di nostro Signore
Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Sta soffiando come se la mia donna fosse a bordo"
Il fischio continua a soffiare, come se dovesse distruggere tutto nella sua ultima azione, lei è il motore che lo spinge, quella che lo farà scoppiare, ma già la voce della madre di nostro Signore lo chiama gentilmente. Sembra essere la parabola dell’antica forza che ora sembra diventare tristezza davanti alla constatazione che l’ora della fine si sta avvicinando.

"Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Che soffia per mandare via la mia tristezza
Tu sei un mascalzone, so esattamente dove andare a parare
Ti guiderò io stessa alla fine del giorno
Mi sveglio ogni mattina con quella donna nel mio letto
Tutti a dirmi che mi è andata alla testa
Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia
Soffia come se stesse uccidendomi"
Sei un mascalzone, dice lei, so esattamente cosa vuoi, lascia che ti guidi fino alla fine. Il fischio continua a soffiare, come se volesse ucciderlo.

"Non sentite quel fischio di Duquesne che soffia?
Che soffia attraverso un altra città cattiva
Le luci della proprietà privata della mia signora riasplendono
Mi chiedo se saranno ancora intorno a me la prossima volta
Mi chiedo se questa vecchia quercia è ancora in piedi
Quella vecchia quercia, quella dove eravamo soliti arrampicarci
Ascoltatete quel fischio di Duquesne che soffia
Che soffia come se lei fosse giusta in orario"
"Ascoltate quel fischio di Duquesne che soffia / soffia come non ha mai soffiato prima," ridacchia Dylan , prima di propinarci un'immagine sia di virilità che di conquista sessuale. "Le luci della proprietà privata della mia signora si accendono / mi chiedo se esse si accenderanno intorno a me la prossima volta / Mi chiedo se questo vecchio albero di quercia è ancora in piedi / Quella vecchia quercia che abbiamo usato per arrampicarci (andare su di giri?)".
Indubbiamente tutta la strofa è giocata sul doppio senso, il fischio di Duquesque sembra essere agli sgoccioli, spremuto forse per una delle ultime volte, questa volta ce l’ho fatta a conquistare i favori della signora (nell’originale “Lady’s Land” che potrebbe riferirsi all’organo sessuale della donna, la proprietà privata della mia signora dice il testo, “land” in slang può essere la proprietà privata, quindi, a buon intenditor poche parole). Lui si chiede se ci sarà un’altra volta, si chiede se la vecchia quercia ce la farà ancora. Questa volta è andata, ma la prossima? Il senso sessuale sembra più che chiaro.

Il videoclip continua mostrando il giovane romantico picchiato a sangue e gettato in una strada, mentre un impassibile Dylan, con in testa il suo immancabile cappello, alla testa di una specie di gang urbana, lo scavalca con indifferenza senza nemmeno guardarlo. "Mi sveglio ogni mattina con quella donna nel mio letto / Tutti mi dicono che mi è andata alla testa." Ci si aspetta quasi di vedere la scena finale del film di Hitchcock “Intrigo internazionale”, quando il treno sta per entrare nel tunnel, metafora della penetrazione finale. Dylan è passato da "Blowin' in the wind" a " Duquesne Whistle". Pensandoci bene, la pioggia non è l'unica cosa dura che cadrà.

Naturalmente tutto questo potrebbe essere solo una bizzarra ipotesi interpretativa della canzone, mentre il significato del testo potrebbe anche essere totalmente diverso. Comunque, giusta o sbagliata, questa è l'ipotesi che sembra andare per la maggiore al momento in America.